EL UNIVERSO PÁNICO DE JULIO PUJALES  (Ánxeles Penas)

Con frecuencia, el espíritu de un pueblo toma vías insospechadas para expresarse: salta en una nota musical, brinca en un trazo de color, ensueña en el misterio de un poema, aparece en los giros de una danza. Esto es lo que ocurre con la pintura del coruñés Julio Pujales que, queriéndolo o no, ha sido vehículo del lado más vitalista y luminoso del ser gallego, en cuyo inconsciente colectivo va arraigada poderosamente la fuerza pánica, el instinto dionisíaco; por ello, más allá del dominio indudable del oficio y de la intención plástica meditada, su obra vibra en tonalidades y cromatismos encendidos y se despliega espontánea como una naturaleza exuberante y floral, llena de intensidad y de alegría, consiguiendo que broten “Ondas de fuego, alborear de frutas…”, como en feliz endecasílabo cantó Leopoldo Rodríguez Alcalde.

Así que fogosidad cromática y libertad formal son sus principales señas de identidad y no obstante él conocía el rigor de la academia, la regla del dibujo con modelo del natural, ejercicio de disciplina que exige no sólo reproducir fielmente la anatomía, sino el carácter del modelo. Contemplando los estudios de figura y los retratos, (que seguía haciendo incluso cuando ya habían pasado muchos años de sus estudios de Bellas Artes en San Fernando), se demuestra que sabía extraerle a la sanguina delicadas tonalidades carnales y hacer que el grafito respetase la luz que destaca los volúmenes y acariciase las sombras, que la levedad del aire tuviese sitio. Así que muy bien podía, voluntariamente y cuando lo exigía la ocasión, contener el ardor de su temperamento y someterlo dentro de los templados límites en los que prima el dulce trazo que modela el óvalo de un rostro femenino, la suave curva de un cuerpo, las luces ocultas que laten en una mirada, la tibia serenidad de una modelo que posa quieta. Esto lo supo ver como nadie J. Castro Beraza, en el excelente texto que le dedica el mismo año de su muerte:

“A veces, la otra norma, la que imponen, callados, los modelos…, nos ofrecía tus academias virtuosas, que hablaban de la magia de los cuerpos, la tersa piel del músculo y el gesto, el boceto hechizado de unos pechos transidos de ternura, la potencia desnuda del atleta, el breve apunte de un escorzo, el vuelo de una mano, la ley, en fin, grecolatina…”.

Es en estos trabajos cuando se demuestra como un magnífico y virtuoso dibujante, pero Julio no quiere ser dibujante, quiere ser pintor y, aunque ambas cosas vayan de la mano y dibujo y pintura se auxilien y colaboren, no son esencialmente lo mismo. Hay grandes dibujantes que patinan cuando se enfrentan al desafio del color y hacen dibujos coloreados y hay estupendos pintores que hacen torpes formas cuando se afanan en la representación realista, pero cuando se poseen ambas cualidades, como es su caso, puede persistir la intención figurativo-naturalista, sin embargo Julio libera sus formas de cualquier servidumbre al dibujo y deja que salgan atrevidas de la pulsión de la mano y vuelen y se desplieguen, llevadas por el impulso del color: “Allí fue, en aquel mapa febril, donde el dibujo saltaba por los aires, y eras tú solo el que cantaba”, nos vuelve a decir Castro Beraza. Y, efectivamente, el dibujo saltaba o brincaba alegre, para crear vergeles vivos, huertos en florecimiento y para así cantar y ser poseído por las energías poderosas de la gran transformista, la gran maga de las formas, la móvil, la incansable, vibrante, gozosa y expansiva madre naturaleza.

Del reposo a la pasión

Julio, nacido en 1939, comienza su andadura plástica a fines de la década del 50 y su primera muestra la realiza en su ciudad A Coruña en 1958, es decir con sólo 19 años. De esta época es, probablemente, un autorretrato, en el que aparece con aspecto de adolescente y en el cual ya son visibles sus aptitudes pictóricas, pero todavía se nota el empeño en servir fielmente a la mirada superficial sobre la realidad; y la luz contenida en una paleta de tonos siena-verdosos, todavía no ha encontrado el esplendor que lo caracteriza. La mirada, en un rostro serio y reconcentrado, penetrante, parece indagar un porvenir desconocido y espera.

Lógicos son, en todo artista que comienza, estos años de tanteo, pero Julio venía, según cuenta su hermana Blanca, con un don, con una singular percepción estética: entendía siendo muy niño de piedras preciosas y de orfebrería, dibujaba, y tenia un gusto especial para la moda, hasta el punto de que ayudaba a la costurera de su familia a diseñar los vestidos. Pero todo artista verdadero no lleva sólo consigo una habilidad manual, lleva y en mucho mayor grado, una apertura de la conciencia hacia el misterio y cuando consigue que la primera sirva a la segunda es cuando se produce el milagro de la obra de arte trascendente,

Julio estudia Bellas Artes en la Escuela Superior de San Fernando de Madrid y es entonces cuando emprende el vuelo hacia horizontes más atrevidos. La Escuela le proporciona oficio, sin coartar la llamada interior hacia territorios que la obra de madurez va a encontrar. Elena Flórez así lo ha sabido ver; “Ante sus cuadros, se vienen abajo las opiniones, más o menos aceptables, de que las escuetas anulan, con sus enseñanzas academicistas, la personalidad de los alumnos. Esto ocurre cuando los alumnos no tienen ese talento clarividente que sabe aprovechar los fundamentos básicos de la enseñanza para utilizarlos según la obra que desean realizar. Pújales sí lo ha sabido.”

Los años sesenta y setenta son para él años de experimentación y de búsqueda, su lenguaje definitivo se está perfilando y hay guiños icónicos que apuntan ya a un panteísmo esencial. Dibujos en los que formas pétreas que recuerdan el megalítismo y los cultos litolátricos de la Galicia prehistórica, adoptan formas antropomorfas, semejantes a Venus estatopigias de voluminosos senos, como la de Willendorf y la curva ya está ahí, poderosa, pero todavía asentada en la tierra, atraída por las fuerzas telúricas; de hecho, esas piedras antropomorfízadas son como un símbolo de la gran madre, todavía quieta, aguardante, sosteniendo el mundo y que en su obra posterior tomará la vía anicónica y se expresará por medio del movimiento generador y de la fuerza. También en estos años toma protagonismo la figura de la mujer, en una representación muy dentro de la iconología galaica, en la que priman de nuevo las formas voluminosas y redondeadas y que los críticos han dado en llamar “la estética del granito”; estas figuras, casi siempre sedentes, guardan mucha similitud con aquel sosiego del románico, que es una de las características esenciales, junto con el barroquismo, del ser gallego, igualmente cuando pinta paisaje, y lo hace mucho en esta época, todavía está ahí la quietud, y aunque la línea ondula todavía lo hace en horizontal, viajando sobre la curva de los montes, ahondándose en los valles, discurriendo por las fértiles vegas y, en suma, acariciando la piel de la tierra.

Entonces, ocurrió en su interior, quizá la necesidad de vaciarse y, aparecieron las cintas, flotando como ligeros arabescos en el monocromo y silencioso espacio. Todavía aparecían como preguntas lanzadas al aire o como sondas espaciales a la búsqueda de una respuesta y la luz parece haberse escondido o quedar como una ligera línea o un leve rayo que atraviesa el plano. Sea como sea, ellas pedían la vertical, aunque fuese tras pasar por un ovillado laberinto, no menos peligroso que aquel que llevó a Teseo a enfrentarse con el Mínotauro, porque lo que aquí se dirime son los pasajes por el oscuro interior del espíritu.

Estas cintas puede que tengan mucha semejanza con aquel hilo que Ariadna le dio a su héroe para que pudiese salir. Julio también salió, por cierto y, cuando la leve y etérea incitación de estos ovillos se encontró con la fuerza afirmativa de la naturaleza que lo había creado y con la llamada de los astros, sería llevado ya definitivamente por el amor, la belleza y el conocimiento y su obra se íluminó y se llenó de resplandores. La prueba habia sido vencida y el arte había servido a aquello que debe servir: a acrecentar la sabiduría humana, a la antroposofia. No sabemos sí entonces recibió el influjo del filósofo Rudolf Steiner, pero el título de alguna de sus obras de ia última década asi lo hace suponer y podríamos parafrasear aquello que afirma Steiner de que la antroposofia ayuda al hombre a pensar según la naturaleza, para decir que a Julio le ayuda a pintar según la naturaleza, lo cual es bastante distinto de pintar según el naturalismo.

Lo cierto es que consigue hacer que brote “El fuego escondido” y todo se llena de esplendor solar, de plenitud vital y de un afán de regreso al origen. Cuando pinta obras como “Hacia el interior” o “El espacio de los reflejos” parece que estuviese ilustrando las palabras de Steiner: “Podemos sumergir nuestra mirada en el interior de nosotros mismos, en nuestra propia alma, en ella se refleja toda la naturaleza, pero ella no posee de las naturaleza más que unas imágenes fluctuantes… Por todas partes recogernos la apariencia de las cosas…” Julio, como pintor que es, no tiene más remedio que servirse de esas imágenes fluctuantes, pero, en realidad, está buscando aquello que lo sostiene todo, el elemento vital, la esencia presente en todas las criaturas, desde la más minúscula semilla hasta la más brillante de las estrellas. Sentimos entonces, de un modo que no podemos explicar y que sólo intuimos, que Julio busca su Edén, tal como reza una de sus obras, la verdadera patria, del hombre, a través de su arte,

Ese salto del paisaje externo, que pintaba allá por las décadas del 60 y del 80, al interno ha sido tremendo, ha supuesto toda una revolución; la pincelada entonces todavía era impresionista, corta, un tanto puntillista y el color se amoldaba a las tonalidades impuestas por la misma tierra: los caminos, los árboles, las colinas, las montañas, el horizonte, el cíelo,.. todavía estaban ahi y el verde predominaba sobre los otros matices. Pero, de pronto, “El fuego escondido”, obra que pinta en 1993, pide nacer y arrastra consigo los remolinos de todas las llamas, de todos los colores y el trazo lo sigue en esa valiente algarabía y se hace amplio, expansivo, potente; la “Imaginación y la realidad” (título que aparece en un cuadro de 1996) se han encontrado y su maridaje se ha vuelto indisoluble, la realidad entonces se interiorizará para cumplir el papel de seguir nutriendo a la imaginación, pero liberándola de la servidumbre del realismo y dejará que sean los puros elementos plásticos: ritmo, mancha, color… los que hablen y saquen hacía fuera aquello que e!, pintor lleva dentro. Y lo que lleva dentro es un enamoramiento profundo, una oda a la madre tierra, en la que se escucha “El rumor del mar”, que pintó en 1992, acariciándola en amplios ondajes azul turquesa, y el estallido de los soles que la alimentan y la hacen germinar y a los que dedica un cántico exaltado.

Entonces la mirada y el sentir abandonan el territorio de lo concluido, de lo estático y se vuelven hacia los procesos, hacía la Fuente de energía, hacia “La evolución de las formas” o hacia el mismo momento del big bang que celebra en su obra “La construcción del cosmos”.

Son estos años finales de su vida, cuando está en la plenitud de la cincuentena cuando, como si hubiese presentido el final, siente con fuerza la llamada del infinito y parece viajar a toda velocidad entre estallidos que sobrepasan la velocidad de la luz, tal como pudimos ver en la película 2001 de Stanley Kubric. Indefectiblemente, las obras que pintó en 1998, no mucho antes de morir: “Hacia el interior” y sobre todo “La salida del túnel” parecen hablar de ese vértigo del alma arrastrada hacia su origen, a través de los deslumbramientos velocísimos del pasaje final, para encontrarse definitivamente con la espléndida flor blanca de la luz. Que quizá hubo un componente esotérico, es decir de experiencia interior, en estas obras espléndidas que culminaron su trayectoria, tal vez lo demuestre la acuarela de 1996 que titula Antroposofía.

La pasión del color

Afirmaba Manuel Murguía que el pintor gallego tiene ei instinto del color, con lo que sin duda quería significar que era heredero de esa frescura cromática que caracteriza el sentir popular y que es común a los pueblos con un fuerte arraigo en lo autóctono o en esa alma “primitiva” aún no contaminada por las grisuras o grisallas de la cultura intelectualizada; en otras palabras, por aquellos que aún se nutren de sus raíces más auténticas y del genius loci de su naturaleza, de su vegetación y de sus energías ctónicas.

Para ilustrar esta pasión del color que es connatural al pintor gallego basta con mirar a Sotomayor, a Luis Seoane, a Tomás Barros, a Alfonso Abelenda, a Segura Torrella, a Lodeiro y a tantos otros artistas gallegos. Se ha repetido hasta la saciedad de los tópicos que el color es cosa de la luz mediterránea; pero no es así, el color está en todas las luces y en todos los pueblos, pero sobre todo está en todos los artistas que han sido tomados por el numen de la pintura, si no ¿cómo se explicaría la vitalidad cromática del eslavo Kandinsky, o de los nórdicos de Cobra? El color está con toda su potencia en las manifestaciones de la cultura popular, desde los trajes hasta los utensilios domésticos; basta, en el caso de Galicia, con mirar a las barcas que se balancean a la orilla del mar, en sus numerosas playas, en los puertos, en las pequeñas calitas de las rías para dar con una fiesta multicolor. Le bastaba a Julio con pasear por la Dársena coruñesa para que entrase a raudales por sus ojos el arco iris embelesado de los barcos de pesca y de los veleros.

Asi que la danza del color que estalla en sus cuadros es émula del empuje vital que cada primavera hace que los huertos y las plantaciones se llenen de ubérrimas exuberancias y exploten de frutales orgías los veranos y junto a las indómitas y potentes aguas del océano Atlántico una corona de montes y fallas costeras luzcan los más espléndidos verdes y las más brillantes esmeraldas. No necesitó ir a las selvas del Brasil para descubrir esa orgía cromática, bastaba con que pasease por los jardines del Relleno o se adentrase en las fragas de Cecebre, tan próximas a la Coruña, o que fuese hacia las carballeiras del interior para que un deslumbramiento de luces cálidas filtradas entre el clorofílico follaje encendiesen su retina y le insuflasen su viva y eterna canción.

El color advenía a él en el cantar del día, en la gloria de las estaciones, en el vaivén tremendo, pero lleno de sortilegios, de tesoros y maravillas del mar, en la misma vivencia de las calles y de los soleados Cantones de su ciudad, tan llena del mismo color de la vida, de bullicios y de gracia. Altas ondas iluminadas por rojos reflejos, copas encendidas en la luz del mediodía, jardines enjoyados por la policromía de las más variadas flores, selváticos parajes donde la diosa Flora juega rodeada de ninfas encantadas. Y en suma, el protagonismo del color, un color a lo “fauve”, sínestésico, porque no sólo canta a la vista, sino que hace que en él se escuche la canción azul de los jilgueros de la mañana, el silbo verde del viento entre las copas de los árboles, la sinfonía carmín del fuego, el trombón apasionado y profundo del azul noche, las móviles y ligeras notas de las alboradas y los arrebolados alalás del cielo vespertino.

Es, según comentario de Antonio Martínez Cerezo, para el diccionario de Artistas Españoles, “Colorista de los que antiguamente se llamaban fierístas. Pero colorista con un sentido del ritmo, de la entonación, de la dinámica que debe presidir siempre todo cuadro bien concebido, bien compuesto y bien resuelto”. Pero además, el color se lleva dentro, es fruto del propio sentir y es expresión de la propia alma, por ello, es fácil deducir que la de Julio era apasionada, feraz, comunicadora, exultante y generosa, como lo es nuestra tierra galaica. Así lo certifica J, Castro Beraza:

“De La Coruña a Texas, de Mallorca a Collioure, erigiste un paisaje de alegría donde sólo la vida se mostraba en su pasión más noble, la de lograr la luz del arco iris sobre cualquier desierto…”
Esa misma fogosidad cromática es la que cantan los versos de Leopoldo Rodríguez Alcalde:

El color, embriagado
de sus viñas eternas, se alboroza
ante una realidad de abierta fiebre.

Y también aquellos otros que la gran poeta Encarnación Pisonero le dedica:

Un cuerpo de mujer lo habita
y toma formas azules y verdes,
amarillos y rojos,
malvas y negros
y marrones de páramo,
………………………………..

….Y el juego del pincel
…………………………………
logra que su vertical sonrisa
devenga en carcajada
al grito del color

Por medio de la imagen visionaria del cuerpo de mujer acierta totalmente Encarnación Pisonero con el quid divinum de la creación de nuestro pintor, habitado desde luego por el arquetipo de la magna mater, por la diosa Cibeles o por su hija Ceres dispensadora de frutos o por la primaveral Flora y por sus profusiones y esplendores metamórficos.